Desenul figurii - Figure drawing

De La Wikipedia, Enciclopedia Liberă

Pin
Send
Share
Send

Figura desenată de Leonardo da Vinci

A desen figura este un desen al formei umane în oricare dintre diversele sale forme și posturi folosind oricare dintre desene mass-media. Termenul se poate referi și la actul de a produce o astfel de desen. Gradul de reprezentare poate varia de la redări foarte detaliate, anatomice corecte, la schițe libere și expresive. Un „desen de viață” este un desen al figurii umane din observarea unui viu model. Un desen poate fi o operă de artă compusă sau o studiul figurii realizat în pregătirea unei lucrări mai terminate, cum ar fi o pictură.[1] Desenul cu figuri este, fără îndoială, cel mai dificil subiect artist întâlniri frecvente și cursuri întregi sunt dedicate subiectului. Figura umană este una dintre cele mai durabile teme din artele vizuale, iar figura umană poate sta la baza portretizare, ilustrare, sculptură, ilustrare medicală, și alte domenii.

Abordari

Artiștii adoptă o varietate de abordări pentru a desena figura umană. Ele pot desena din modele live sau din fotografii,[2] din modele scheletice, sau din memorie și imaginație. Majoritatea instrucțiunilor se concentrează pe utilizarea modelelor la cursurile de „desen de viață”. Utilizarea referinței fotografice - deși comună încă de la dezvoltarea fotografie- este adesea criticat sau descurajat pentru tendința sa de a produce imagini „plate” care nu reușesc să surprindă aspectele dinamice ale subiectului. Desenul din imaginație este adesea lăudat pentru expresivitatea pe care îl încurajează și criticat pentru inexactitățile introduse de lipsa de cunoștințe a artistului sau de memoria limitată în vizualizarea figurii umane; experiența artistului cu alte metode are o mare influență asupra eficacității acestei abordări.

În dezvoltarea imaginii, unii artiști se concentrează pe formele create de interacțiunea valorilor de lumină și întuneric de pe suprafețele corpului. Alții adoptă o abordare anatomică, începând cu aproximarea internului schelet a figurii, suprapunând organele interne și musculatura, și acoperirea acestor forme cu pielea și, în cele din urmă (dacă este cazul) îmbrăcămintea; studiul anatomiei interne umane este de obicei implicat în această tehnică. O altă abordare este construirea liberă a corpului din geometric forme, de exemplu, o sferă pentru craniu, un cilindru pentru trunchi etc. apoi rafinează acele forme pentru a semăna mai mult cu forma umană.

Pentru cei care lucrează fără referințe vizuale (sau ca mijloc de verificare a muncii), proporțiile recomandate în mod obișnuit în desenul de figură sunt:

  • O persoană obișnuită are, în general, înălțimea de 7 capete și jumătate (inclusiv capul). Acest lucru poate fi ilustrat elevilor din clasă folosind plăci de hârtie pentru a demonstra vizual lungimea corpului lor.
  • O figură ideală, utilizată pentru o impresie de noblețe sau grație, este desenată la 8 capete înălțime.
  • O figură eroică folosită în descrierea zeilor și a supereroilor are o înălțime de opt capete și jumătate. Cea mai mare parte a lungimii suplimentare vine dintr-un piept mai mare și picioare mai lungi.

Rețineți că aceste proporții sunt cele mai utile pentru un model în picioare. Poze care introduc scurtarea a diferitelor părți ale corpului le va face să difere.

Mass-media

Femeie așezată, desen în creion negru, școala de Rembrandt (secolul al 17-lea)

Salon francez în secolul al XIX-lea a recomandat utilizarea Conté creioane, care sunt bețe de ceară, ulei și pigment, combinate cu hârtie special formulată. Ștergerea nu era permisă; în schimb, artistul era de așteptat să descrie figura în linii ușoare înainte de a face semne mai întunecate și mai vizibile.

Figura desenată de Lovis Corinth. Înainte de 1925

O tehnică modernă populară este utilizarea unui cărbune băț, preparat din viță de vie specială și o formă de hârtie mai aspră. Cărbunele aderă slab la hârtie, permițând ștergerea foarte ușoară, dar desenul final poate fi păstrat folosind un „fixativ” pulverizat pentru a menține cărbunele să nu se frece. Cărbunele comprimat mai dur poate produce un efect mai deliberat și mai precis, iar tonurile gradate pot fi produse prin pete cu degetele sau cu un instrument de hârtie cilindric numit a ciot.

Creionul grafit este, de asemenea, utilizat în mod obișnuit pentru desenarea figurilor. În acest scop, creioanele artiștilor sunt vândute în diverse formulări, variind de la 9B (foarte moale) la 1B (mediu moale) și de la 1H (mediu tare) la 9H (foarte tare). La fel ca și cărbunele, acesta poate fi șters și manipulat cu ajutorul unui butuc.

Cerneala este un alt mediu popular. Artistul va începe adesea cu creionul de grafit pentru a schița sau contura desenul, apoi lucrarea finală a liniei se face cu un stilou sau o pensulă, cu cerneală permanentă. Cerneala poate fi diluată cu apă pentru a produce gradații, o tehnică numită spălare cu cerneală. Semnele creionului pot fi șterse după ce se aplică cerneala sau pot fi lăsate la locul lor cu cernelurile întunecate care le stăpânesc.

Unii artiști desenează direct cu cerneală fără pregătirea unei schițe în creion, preferând spontaneitatea acestei abordări, în ciuda faptului că limitează capacitatea de a corecta greșelile. Matisse este un artist despre care se știe că a lucrat în acest fel.

O metodă favorizată de Watteau și alți artiști ai secolelor al XVII-lea și al XVIII-lea Stil baroc și Rococo Era trebuia să înceapă cu un ton de ton colorat la jumătatea distanței dintre alb și negru și să adauge umbra în negru și evidențiază în alb, folosind stilou și cerneală sau „creion”.

Istorie

Figura umană a făcut obiectul desenelor încă din preistorie. În timp ce practicile de studio ale artiștilor din antichitate sunt în mare parte o chestiune de presupuneri, deseori au desenat și modelat din modele nud este sugerat de sofisticarea anatomică a operelor lor. O anecdotă legată de Pliniu descrie cum Zeuxis a revizuit tinerele femei din Agrigentum gol înainte de a selecta cinci ale căror trăsături le-ar combina pentru a picta o imagine ideală.[3] Utilizarea modelelor nud în atelierul artistului medieval este implicată în scrierile din Cennino Cennini, și un manuscris al Villard de Honnecourt confirmă că schițarea din viață a fost o practică stabilită în secolul al XIII-lea.[3] Carracci, care le-au deschis Accademia degli Incamminati la Bologna în anii 1580, a stabilit modelul pentru școlile de artă ulterioare, făcând din viață să atragă disciplina centrală.[4] Cursul de pregătire a început cu copierea gravurilor, apoi a trecut la extragerea din gipsuri, după care elevii au fost instruiți în desenarea modelului viu.

La sfârșitul secolului al XVIII - lea, studenții din Jacques-Louis DavidStudioul a urmat un program riguros de instruire. Stăpânirea în desen a fost considerată o condiție prealabilă pentru pictură. Timp de aproximativ șase ore în fiecare zi, elevii au extras dintr-un model care a rămas în aceeași poziție timp de o săptămână.[5] „Desene din secolul al XVIII-lea, ca aceea atribuită lui Jacques-Louis David, erau de obicei executate pe hârtie colorată în cretă roșie sau neagră, cu evidențieri albe și un teren întunecat. chiar și figurile așezate gesticulează dramatic. Observarea atentă a corpului modelului a fost secundară redării gestului său și multe desene - în concordanță cu teoria academică - par să prezinte mai degrabă o figură reprezentativă decât un corp sau o față specifică. În comparație, academiile produse în secolul al XIX-lea [...] au fost executate în mod tipic cu cretă neagră sau cărbune pe hârtie albă și sunt descrieri minuțioase ale particularităților și idiosincraziei corpului modelului viu. sunt rare, chiar și ipostazele în picioare sunt relativ statice ... " [6] Înainte de sfârșitul secolului al XIX-lea, femeile nu erau în general admise la cursurile de desen figurin.[7]

Figura academiei

Un figura academiei este un desen, pictura sau sculptură într-o manieră literală, a corpul uman nud folosind un model live, de obicei la jumătate.[este necesară citarea]

Este un exercițiu obișnuit necesar elevilor de la școli de artă și academii, atât în ​​trecut, cât și în prezent, de unde și numele.[8]

femei

O figură academică transcendată de pictorul neoclasic Pierre Subleyras

Relatările istorice arată că modelele nud pentru aspiranți femei de artă erau indisponibile în mare măsură. Femeilor li s-a interzis anumite instituții, deoarece a fost considerat necorespunzător și posibil chiar periculos pentru ei să studieze din modele nud.[9] Deși bărbaților li s-a oferit acces atât la bărbați, cât și la femei nud, femeile s-au limitat la învățarea anatomiei din distribuții și modele. Abia în 1893 studenților li s-a permis accesul la desenele de viață la Royal Academy din Londra,[10] și chiar și atunci a fost necesar ca modelul să fie parțial drapat.[11]

Accesul limitat la figuri nud a împiedicat carierele și dezvoltarea artistelor de sex feminin. Cele mai prestigioase forme de pictură au necesitat cunoașterea aprofundată a anatomiei, care a fost refuzată în mod sistematic femeilor,[11] care au fost astfel retrogradați la forme de pictură mai puțin privite precum gen, natură moartă, peisaj și portretizare. În Linda NochlinEseul „De ce nu au existat mari artiste pentru femei”, ea identifică accesul restricționat pe care îl aveau femeile la desenul de figuri nud ca o barieră semnificativă din punct de vedere istoric în calea dezvoltării artistice a femeilor.[11]

Instrucțiuni de studio contemporane

Desenul unui bărbat așezat cu picioarele încrucișate
Studiu nud realizat de Annibale Carracci

Instrucțiunea de desenare a figurilor este un element al majorității arta și ilustrare programe. Academii de artă plastică din Italia ia o scuola libera del nudo („școala gratuită a nudului”) care face parte din programul de studii, dar este, de asemenea, deschisă studenților din afara.[12] Într-o sală de clasă tipică de studio de desen, elevii stau în jurul unui model, fie în semicerc, fie în cerc complet. Niciun elev nu are exact aceeași vedere, astfel desenul lor va reflecta perspectiva locației unice a artistului în raport cu modelul. Modelul pozează adesea pe un stand, pentru a le permite elevilor să găsească mai ușor o vedere neobstrucționată. În funcție de tipul de poziție, se pot utiliza mobilier și / sau recuzită. Acestea sunt de obicei incluse în desen, în măsura în care sunt vizibile pentru artist. Cu toate acestea, fundalurile sunt de obicei ignorate, cu excepția cazului în care obiectivul este de a afla despre plasarea figurilor într-un mediu. Modelele individuale sunt cele mai frecvente, dar mai multe modele pot fi utilizate în clase mai avansate. Multe studiouri sunt echipate pentru a permite o varietate de amenajări de iluminat.

Când sunt predate la nivel de colegiu, modelele de desenare a figurilor sunt adesea (dar nu întotdeauna) nud (în afară de mici bijuterii, recuzită sau alte obiecte discret). În timp ce pozează, modelului i se cere de obicei să rămână perfect nemișcat. Datorită dificultății de a face acest lucru pentru o perioadă extinsă de timp, pauzele periodice pentru ca modelul să se odihnească și / sau să se întindă sunt de obicei incluse în sesiuni mai lungi și pentru ipostaze mai dificile.

La începutul unei sesiuni de desen, modelul este deseori solicitat să facă o serie de ipostaze scurte în succesiune rapidă. Acestea se numesc gesturi și au de obicei una până la trei minute fiecare. Desen gestual este un exercițiu de încălzire pentru mulți artiști, deși unii artiști schițează gestul ca primul pas al fiecărui desen.[13] Aceste lovituri largi nu se fac doar prin apăsarea unei încheieturi, ci prin utilizarea întregului braț pentru a surprinde mișcarea modelului. De asemenea, ajută la menținerea artistului concentrat pe model în loc de hârtie. Când vine vorba de corpul uman, artiștii sunt dureroși critici; proporțiile unei vieți moarte nu trebuie să fie trasate perfect pentru a arăta autentice, dar chiar și cea mai mică eroare în proporțiile umane va fi ușor detectată.

Artiștii moderni și contemporani pot alege să exagereze sau să distorsioneze proporțiile pentru a sublinia gestul sau starea de spirit percepută a poziției modelelor. Rezultatele pot fi privite ca o lucrare finală, exprimând atât subiectul, observaționalul, emoționalul, cât și răspunsul la marcarea experienței de desenare a figurilor artiștilor.

Anatomia este doar primul nivel de îngrijorare în clasele de viață. Figura-teren sunt luate în considerare și relațiile și alte aspecte ale compoziției. Echilibrul unei compoziții devine mai crucial și, prin urmare, mai înțeles prin desenarea vieții. Artistii kinestezic răspunsul la poziție și modul în care acest lucru este transmis printr-o alegere a mijloacelor de artă este o preocupare mai avansată. Deoarece scopul cursurilor de desen de figuri este de a învăța cum să deseneze oameni de toate felurile, modele masculine și feminine de toate vârstele, formele și etnii sunt de obicei căutate, mai degrabă decât selectarea doar a modelelor frumoase sau a celor cu cifre „ideale”. Unii instructori caută în mod specific să evite genul de modele preferate de fotografii de modă, căutând exemple mai „realiste” și să evite orice implicație a obiectivării sexuale. Instructorii pot, de asemenea, să favorizeze modele de anumite tipuri de corp pe baza contururilor unice sau a texturilor de suprafață pe care le oferă. Varietatea modelelor angajate poate fi limitată de necesitatea ca aceștia să poarte o poziție pe perioade îndelungate (eliminarea copiilor neliniștiți și a persoanelor în vârstă fragile) și a preocupărilor de modestie și legalitate atunci când modelele poartă nud (restricționând utilizarea minorilor).

Vezi si

Note

  1. ^ Berry, Ch. 8 - „Desen ca pregătire”
  2. ^ Maureen Johnson și Douglas Johnson (2006). Modele de artă: nuduri de viață pentru desen, pictură și sculptură. Cărți model live. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ A b Strict Academic 1974 p. 6.
  4. ^ Strict Academic 1974, p. 7.
  5. ^ Strict Academic 1974, p. 8.
  6. ^ S. Waller, Invenția modelului: artiști și modele în Paris, 1830-1870. 2016, p. 5.
  7. ^ Strict Academic 1974, p. 9.
  8. ^ Claude-Henri Watelet, «Académie» și «Modèle», în Encyclopédie méthodique. Beaux-arts, Paris, Panckoucke, 1791. Sursa citată în fr: Académie (dessin)
  9. ^ Myers, Nicole. „Femeile artiste în Franța secolului al XIX-lea”. Muzeul Metropolitan de Artă.
  10. ^ Levin, Kim. "Cele mai bune zece povestiri ARTnews: Expunerea ascunsului" El'". ArtNews.
  11. ^ A b c Nochlin, Linda. "De ce nu au existat mari femei-artiste?" (PDF).
  12. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuola, pp. 829-830. ISBN 8838778639 (in italiana)
  13. ^ Manualul modelului de artă http://www.artmodelbook.com

Referințe

linkuri externe

Pin
Send
Share
Send